金點設計獎「設計觀點 × 金點沙龍」今年首度前往首爾，於 4 月 25 日在知名地標東大門設計廣場（DDP Design Hall）登場，開啟與當地設計圈的交流對話。本次活動攜手韓國權威設計媒體《Design》月刊合作辦理，邀請來自台灣與韓國的四位設計師——偶然設計共同創辦人曾令理、Bito 創意總監劉耕名、知名工業設計師 SWNA 創辦人 Lee Suk-woo，以及 NiiiZ Design LAB 執行長 Park Sung-chul 等，展開一場跨領域、跨文化的深度交流，現場迴響熱烈。

本場沙龍以「超感官體驗：創造奇觀的當代設計」（Ultra-Experience Design）為主題，聚焦設計如何結合科技與文化，創造觸動人心的感官體驗。四位講者分別從產品設計、空間設計、文化策展與動態影像等不同面向出發，分享各自在創作脈絡中，如何重新理解人與設計的互動關係，並為當代設計在跨域整合與體驗創造上，提供多元經驗與觀點。

　

曾令理：每個人都具備讓文化顯現的能力　

「當我們在海外談論到台灣時，不論是文化或地理層面，常常會感受到一種難以被精準描述的模糊。」首先登場的曾令理，以這樣的自身觀察開場。對她而言，這種「模糊性」並非不足，而是一種蘊含多種詮釋可能性的狀態，也是她在創作上的推進力。

「我試圖透過空間與材料的實踐，將那些模糊的感受，轉化為可以被大家感知的經驗。」在美國及英國等西方世界學習與工作多年後，她於 2018 年回到台灣，開始更有意識地在這座有些曖昧模糊、卻滋養著自己的小島上，尋找創作的靈感，以一種帶有詩意且理性的視角，開啟對於「文化實體化」的探索。

　

　

她從與偶然設計團隊在台灣的第一個案子說起。這項為台北市立美術館設計的夏季增建計畫，源於場館即將關閉進行空調維修的契機。團隊以霧氣與微氣候作為主題，在美術館廣場築起一座由鷹架與織網構成的臨時裝置。當若有似無的霧氣在方形空間中升起，除了帶來降溫效果，也如同一種無聲的召喚，吸引人們靠近，將原本在炎熱夏季中人們匆匆經過的廣場，轉化為市民駐足停留的「客廳式」公共空間，進而創造出一種可被集體共感的身體經驗。

在後續多個計畫中，他們持續發展與自然或週遭環境對話的創作方法。無論是在高雄一處都市更新預定地打造的臨時性休憩場域，或是在森林中結合霧氣、讓人造幾何結構與自然形態共存的燈節裝置，皆透過材料、氣候、環境與身體經驗的交織，放大人們對於空間的感知。而這樣的思考與方法，也進一步延伸至文化策展的實踐之中。

例如，在為2021臺灣文博會打造的花蓮館《據說考古隊》，展場入口以巨大的地層堆疊構造作為主要裝置，所有材料皆直接取自花蓮，並盡可能保留其真實性，讓觀眾一進場便能感受到原始而古老的力量；同時搭配圖像敘事與歌謠儀式，使整個展館充滿靈性的氛圍。而在 2023 台灣設計展《新北山河陣》中，則以七顆象徵新北地質的巨石作為入口裝置，創造具有震撼力的開場，並融合地形、考古、科技與文化轉譯等元素，透過展示設計引領觀眾進入一場如同探險般的體驗。

在 2023 倫敦設計雙年展台灣館《Visible Shop：人人材料行》中，則從人造物與文化開展出另一條創作路徑。回應年度主題「協作」（Collaboration），他們以「零件」為隱喻，象徵台灣雖然是一座小島，卻在全球供應鏈中扮演不可或缺的角色，並透過磁力驅動裝置與互動機制，呈現一種由個體構成、同時具備彈性的系統，生動演示台灣中小企業各自鑽研技術力的同時，亦可隨時組成團隊作戰的靈活與韌性。這樣充滿實驗性的文化轉譯，不僅讓原本難以言說的特質，化為具體可感的體驗，最終更奪下該屆「最佳設計獎」，讓台灣以鮮明的方式被世界看見。

回顧這些年的創作與交流，對曾令理而言，那些無法完全被清楚描述的文化，透過一次次的累積與分享，逐漸被理解與感知。「我相信每個人都具備讓文化顯現的能力。」她相信，即使文化本身是流動且充滿不確定性的，只要在每一個當下，真誠回應自身觀察與感受，並持續表達、溝通與詮釋，「即使清晰只存在於某一個瞬間，依舊會在歷史中留下微小卻真實的痕跡。」

　

Park Sung-chul：在空間實驗中尋找「韓國性」　

「在這個時代，我們該如何定位自己？」NiiiZ Design LAB 執行長 Park Sung-chul 以奧斯卡頒獎典禮對韓國電影的認可，以及 BTS 的全球影響力開場，直指隨著韓國影視、音樂與時尚在全球舞台上的崛起，韓國文化正受到前所未有的關注。然而，在相對於歐美而言、發展歷史較短的韓國空間設計領域，如何在國際語境中建立自身位置，成為他持續思考的課題。

　

　

這樣的反思，來自於對日常的重新觀看。他提到最近一張在社群平台上廣為流傳的韓國街景照片——對當地人而言再熟悉不過的城市樣貌，卻意外引發國際關注。這讓他意識到，那些過去被視為雜亂、老舊，甚至不夠理想的環境條件，或許正是構成韓國設計特質的關鍵之一。無論是高樓與傳統建築並存的城市紋理，山體與建築交錯的地景關係，或是媒體立面上的動態影像，這些看似矛盾的存在，共同形塑出當代韓國獨特的空間語彙。

基於這樣的觀察，他將韓國當代空間設計的特徵，歸納為三個面向：對既有資源的「再詮釋能力」、高度混雜的「多樣性」，以及在現實條件中仍試圖延續文化脈絡的「保存與傳承」。在他看來，韓國設計並非建立在單一風格之上，而是來自不同時代與條件的層層堆疊——從傳統韓屋，到 1960 至 1980 年代的混凝土建築，乃至當代數位媒體的介入，皆構成了「韓國性」的一部分。

這樣的設計觀點，也具體體現在他的實務案例中。在聖水洞 Pan Am 旗艦店的改造計畫，團隊選擇保留膠帶工廠原址既有的結構與作業痕跡，使人們能夠直接感受到時間的累積，延續空間獨特的歷史。在 SM 娛樂的「Kwangya@Seoul」中，則打造出一個虛擬與實體交錯的體驗空間，即使物理空間有限，透過媒體的運用，仍可達成內容的動態性與可變性，以回應當代 K-pop 文化中快速迭代的特質，並使空間本身成為一種文化表現的載體。在樂天百貨總店的案例，他們為全新品牌打造出一個實驗性且可變動的空間，透過媒體裝置與動態標示系統，強化品牌的體驗性，也使實體空間與數位內容之間形成新的共構關係。

從傳統韓屋的當代轉譯，到結合數位媒體的商業空間，Park Sung-chul 持續在實驗中體現他們對於「韓國性」的理解與實踐。他指出，當代韓國設計並非試圖消弭差異，而是在差異之中尋找平衡，使不完整、衝突與多樣性成為創作的一部分。對他而言，「韓國性」並不是一種被固定下來的形式，而是一種在時間與條件交錯之中持續構成、具有多重面向與層次的存在——而這或許正是韓國當代空間設計最迷人的樣貌。

　

劉耕名：從動態到沉浸體驗，創造引人駐足的光　

「人其實就像昆蟲一樣，會被光吸引、朝著光的方向聚集。」Bito 創辦人暨創意總監劉耕名，從一段個人經驗談起。大學主修昆蟲學的他，曾在山林中以燈光吸引昆蟲；多年後在紐約時代廣場，他看見人群仰望自己參與製作的影像作品，那一刻突然讓他意識到，人與影像之間的關係，與昆蟲與光之間的吸引，其實如出一轍。而設計，某種程度上，就是創造一種能夠吸引人、讓人駐足的「光」。

　　

　

這樣的觀察，成為他重新理解設計的起點。對劉耕名而言，「motion design」（動態設計）從來不只是技術，而是一種說故事的方式。因此他與團隊長期關注的，並非僅在影像本身的形式，而是如何透過敘事，引發觀眾的情感共鳴。從早期在紐約參與電視台與大型場域影像製作，到回到台灣創立 Bito，他們嘗試以動態設計為核心，進一步延伸出「motion branding」的概念與方法。

劉耕名首先分享了近年引發熱烈討論的台灣觀光識別重塑案「TAIWAN – Waves of Wonder」。他們摒棄傳統銳利、筆直的設計語彙，從台灣高山的地貌與海洋的波動中萃取靈感，提出一套以「曲線」為核心的動態識別。「台灣是一個充滿『曲線』的地方。這條流動的線，包含了台灣地景的蜿蜒，也包含著喝下珍奶時難以言喻的情緒波動。」如今，這套識別系統閃耀在紐約時代廣場、倫敦地鐵與首爾街頭，如同觀光大使般，向世界自信地傳達台灣的形象。

而在華語影視殿堂「金馬獎」的視覺統籌中，從金馬 58 探討疫情下的人與人、人與電影間關係的重新「對焦」，到金馬 59 以立體雕塑般的視覺巧思，跳脫傳統平面設計的限制，劉耕名帶領團隊持續突破。在金馬 60 時，面對 AI 浪潮，他與團隊反其道而行，邀請各界創作者回歸最原始的創作方式，以純手繪完成數千張動畫。這樣的選擇像是一種宣言，但他強調並非「對抗」，而是對於 AI 時代提出一種回應，也突顯出電影本質上是需要眾人共同投入的創作過程。對他而言，這些畫面在可以用 AI 一秒生成影像的時代中彌足珍貴，並具有無法取代的觀看價值與情感深度，因為他深信，「唯有真實的內容，才能真正打動人心。」

這些年，他與團隊逐步拓展創作的領域，也從單向的敘事，轉變為讓觀眾參與其中、體驗故事。他將這種狀態稱為「story living」——觀眾不只是聽故事、看故事，更走進故事之中。例如，在連續多年擔綱導演的金點設計獎頒獎典禮中，他與團隊進行了許多創新嘗試，讓影像不再只是背景，而能改變人對空間的感受，並在與舞台、裝置與觀眾的互動中，讓人產生情感共鳴。而後在大阪世博「Tech World」的內容及互動設計中，團隊更進一步結合台灣的科技與設計，呈現出台灣韌性的整體敘事，使觀眾在震撼感官的體驗中，產生情感上的連結，進而更理解內容。

從最初在山林裡研究昆蟲的少年，到如今在國際舞台上定義台灣形象，劉耕名認為自己始終保持著那份「勇於嘗試、勇於感動」的熱血。對他而言，無論技術如何發展、載體如何變遷，設計的終極目標始終不變——為了創造出那道動人心弦、引人駐足的光。

　　

Lee Suk-woo：在矛盾與對比中，辯證設計的本質　

「在韓國，當人們面臨到底要吃炸醬麵還是馬鈴薯煎餅的選擇時，答案往往是：那就一起吃吧。」最後一位登場的知名設計工作室 SWNA 創辦人 Lee Suk-woo，以一個日常飲食的幽默舉例，開始說明他對韓國設計的理解。他認為，將衝突並置並透過創新尋找平衡，正是韓國設計的特質。

　

　

他對日常生活的觀察細膩而獨到，在緊接的分享中，也透過一些實際案例闡述其觀點。他提到韓國餐廳中常見的餐桌形式，能夠整合餐具收納的功能，就是一種追求效率與便利性的混合型設計；在南大門市場的店家，常以餐盤預先將小菜放好並層層堆疊，讓營業開始時能快速出餐，即使作法看似不夠精緻、甚至略顯混亂，背後卻蘊含著相當實用與高效率的運作邏輯。

這種「矛盾並存」的思維，也體現在他的設計實踐中。他曾重新詮釋韓國傳統小圓桌的形式，從韓文中「小桌」與「小狗」相近的語音發想，將四肢巧妙轉化為桌腳，不僅維妙維肖地展現了行走中的動態，也在穩定的桌面與變形的桌腳結構間，實踐他最著迷的「對比」語彙。他也曾從傳統陶瓷存放發酵食品的濕度調節功能汲取靈感，透過 3D 列印與陶瓷工藝，打造出一系列擁有現代感外型的陶瓷收納器物，讓傳統材料與現代技術展開對話。

除了形式與材料上的探索，他也持續面對設計實踐中的另一層矛盾——商業服務與自由創作之間的拉扯。一方面，他經營 SWNA 公司，提供設計服務，回應外部市場的需求；另一方面，則透過自有品牌「Liberal Office」，實現他們真正想做的設計。後者即使多數時候難以獲利，他仍堅持為團隊保留一個自由而不受市場限制的創作空間，「因為兩者雖然性質不同，也存在一定的矛盾，但同時也能彼此激發靈感。」他深信，唯有在商業需求與創作渴望的相互辯證中，設計師才能在重複的工作中保有一份難得的新鮮感，並從中激發出最純粹的原創性。

在快速變動的當代環境中，他也不斷重新思考設計的工作方式。相較於過去線性的流程，如今更強調快速迭代與彈性調整；而在技術持續進步、AI工具逐漸普及的背景下，「我認為最重要的，仍然是從內心出發，找到屬於自己的聲音。只要能掌握這一點，就有機會實現真正純粹的創新。」他也鼓勵設計師回歸最原始的「手作」過程，透過手繪、模型甚至材料實驗，將腦中那些最原始、最具想像力的念頭，轉化為具體形式，「這種從感知到轉化的過程，是我們必須持續練習與培養的能力。」

「我成長於動盪的 70 年代，也經歷過產業騰飛的 90 年代，或許人生本身的起伏與對比，讓我的設計語言始終在衝突中尋找張力。」對 Lee Suk-woo 而言，這種個人生命的軌跡，亦是當代韓國設計的縮影。遊走於簡潔與繁複、傳統與技術、平面與立體之間，這份不畏懼矛盾、在對立中尋找創新可能的熱情，或許就是構成當代韓國設計的重要 DNA。

　

首爾場精彩落幕，設計對話持續展開  —— 2026 年度熱烈徵件中！　

在本次沙龍，曾令理對感官經驗的敏銳轉譯、Park Sung-chul 針對韓國空間設計本質的思考、劉耕名橫跨媒介的沉浸式動態影像敘事，以及 Lee Suk-woo 從矛盾中催生創新的大膽觀點——四位設計師透過各自的實踐路徑，為現場聽眾帶來一場具啟發性的思想碰撞。這場位於首爾東大門設計廣場（DDP）的盛會，也在四位講者與現場觀眾的熱烈交流中圓滿落幕。

金點設計獎期待透過這次首爾沙龍，為兩地設計社群搭建起交流橋樑，也為參與者提供重新審視設計本質的契機。在變動的時代中，這些關於文化、情感與技術的反思與實踐，將能成為推動設計創新的重要能量。

　

　

2026金點設計獎、金點概念設計獎現正徵件中，獎賽涵蓋產品、傳達、空間及整合設計四大類別。得獎者將有機會獲得國內外參展、媒體曝光、洽商媒合等多元資源。本年度報名截止日期為台北時間6月15日（一）17:00；凡於5月13日（三）17:00前完成繳費者可享早鳥優惠，並可於截止日前持續更新完善報名資料。完整參賽辦法，可至金點設計獎官網查詢。